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元气淋漓障犹湿中国绘画中的美学情怀与现实观照（第2页）

20世纪初期以来，中国画传承与发展的问题一直是画界聚讼纷纭的焦点。而在实践层面，中国画的发展大致形成了中西融合与借古开今两条路径。尽管中国画家在两者的实践上皆取得了引人瞩目的成绩，但似乎并没有因此而消解问题的症结。相反，随着西方现代性理论的传入，中国画传统与创新的关系问题，愈益加剧了画界的精神纷乱。问题的症结究竟何在？依我看，对于传统中国画艺术精神的误读与曲解，庶几近之。而这种误读与曲解，又与画界疏于对中国画文化哲理渊源的追溯密切相关。

早在南朝时，谢赫即已提出“迹有巧拙，艺无古今”的著名论断。但直至今天，愿意提及这一画学观念的人似乎并不多。人们更多是在西方进化论、现代性话语的影响下，将“革命”“创新”奉为中国画的不二追求，画界充满过量的激情，以致中国画的发展日益偏离画学真义。“艺无古今”的内涵大致可以表述为：中国画既是一种讲究传承的艺术，又是一种追求时代精神而不断自我优化的艺术。换言之，中国画不啻为一种打通古今、自洽自足的独特画种。这种特性落实于笔墨语言，就是强调继承与创新的辩证统一。

中国古人在文明萌生之初，即已确立“效天法地”的文化创生传统，先民们一方面在对四时轮转、五行相生相克等现象的观察与诠解中，形成了最初的宇宙观与循环性思维模式；另一方面在“近取诸身，远取诸物”的文化创造中确立了重“法”的精神原型。这两者共同塑造了中国文化既重“法”之传承，又重“法”之创变的精神传统，这也正是“艺无古今”观念的文化思想根源。重“法”的观念强调传统的传承性，这种传承性不但不会随时代的嬗变消磨、淡化，相反，它愈益强化并逐渐形成了传承有序的文化谱系，以至在中国传统文化中形成了画有画谱、拳有拳谱、棋有棋谱这一独特现象。形之于画谱的中国画画法体系，因此成为后世习画者之津逮与法门。

但是，传承性只是中国画艺术精神的一方面，中国画还强调破除“法”障和谱系结构。明末清初画家石涛一方面以“一画”论建构起“法”的本体图式，一方面又强调“无法而法，乃为至法”。他“佛心道骨画黄山”“搜尽奇峰打草稿”，笔墨奇肆，意境雄浑，似古人又胜似古人。石涛所谓“笔墨当随时代”的创变性，实乃寓含了变与不变合一的深刻易理观。“笔墨当随时代”论正是对“艺无古今”观的隔世回应。

然而，20世纪初期以来，中国画因受西方文化艺术的冲击和影响，过多地强调“变”与“创新”的一面，疏离乃至摒弃了“不变”与“传承”的一面，并方枘圆凿地将中国画以“艺无古今”为内核的“创新性”比附于西方所谓的“现代性”。人们在热衷于这种比附的时候，恰恰忽略了现代美术史上一个巨大的文化悖论：当西方现代美术从中国古典文人写意画中努力寻绎并发掘“现代性”的时候，现代中国画却以背道而驰的方式接引西方的古典写实主义。在文化、学理的层面上，其偏向性是不言而喻的。比照中西现代美术的发生与发展，所谓古与今、旧与新、传统与现代，从来不是泾渭分明的。

梁永琳：

唐代李邕说：“似我者俗，学我者死。”明末清初的石涛则有“我之为我，自有我在”之语，郑板桥更明确提出“十分学七要抛三，各有灵苗各自探”，齐白石也有“学我者生，似我者死”之诫。结合您的艺术创作和美学实践，您怎样理解这些书画家对艺术家主体意识的强调？如何理解、认识中国绘画的发展之路？

王明明：

无论什么时代，中国画的发展必须要在传统脉络之下延续与传承，传统是通往中国画的必经之途。有传统才有根基，在此基础上的传承才有普遍意义，才知道该向哪个方向突破，才能明辨这种突破是否有意义。

李可染所说的“用最大的功力打进（传统）去，用最大的勇气打出来”，就是要学习前人的经验，走出自己的路子。艺术创作的最大特点就是一定要有唯一性、原创性，任何一种经验一旦在画史确立，此路便将自动“关门”，不再接受同样的“经验”，这其实是逼着画家在此脉络下“创新”。换个角度看，这个“机制”是颇有道理的，因为中国画其实就是画家心性的载体，时代不同、学养不同、经历不同、兴趣不同，当然就产生不同的“经验”，若按照前人的“经验”去简单描摹，自然就没有存在的价值。借鉴传统最后还是要落实到时代精神及自我境界上。

画家在传统的脉络之下，在中国文化的大背景之下，画出当下真实的心境（我们是“现代人”），便是创新，新的东西经历时间的淘洗若留了下来，便是传统，如此往复。中国画发展两千余年而经久不衰，有如此强大的生命力，是因为其依托中国文化，有强健的“心脏”“肌体”及“造血机制”作为保证。中国画有自己独特的表现方式和审美追求，以此制约“气血”在一个无形的“管道”里运行，涵养出一幅幅经典佳构。在传承的基础上创新，是中国画发展的最大特色。

我本人在吸纳传统的同时，也注重吸收现代审美元素，以探索从传统到现代的转型。山水、花鸟、人物，不同的题材、不同的语境，不能用一种技法来表现，笔墨可以千变万化，但要表现的核心是中国的意境。

自信自觉走向世界

梁永琳：

无论是用笔的勾皴点染擦，还是笔墨结构、笔墨关系，甚至空间结构上的“以大观小”带来的神思驰骋，章法上的乾旋坤转、收放开合呼应，中国绘画艺术已然形成体系并不断完善，成为中国美学精神的独特表达，可视为中国文化深厚积淀的外化，是画家胸襟怀抱和笔墨精神的对接。怎样理解中国绘画的本土意义与世界价值？

王明明：

古人把欣赏绘画放到“悟道”和“天地精神”的层面上去考量。圣人含道映物，“道”是万物之始，是万物的规律。中国绘画不仅是美学的范畴，实质上一直立于哲学和民族文化精神的高度，从谢赫的“明劝戒，著升沉”，到张彦远的“成教化，助人伦”，中国画有着与生俱来的社会担当。中国画承载着中华文化的博大精深，更承载着中华文化的民族自信，作为中华文化的重要载体，是民族文化和民族精神的杰出代言。

未来学家约翰·奈斯比特在《大趋势》中的话或许可以作为提示：“大约125年以前，当蒸汽引擎和铁路出现的时刻，有些作家说，我们将变成使用单一语言——英语——的世界。这件事当时没有实现，现在也不会发生……在日常生活中，随着愈来愈互相依赖的全球经济的发展，我认为语言和文化特点的复兴来临。简而言之，瑞典人会更瑞典化，中国人会更中国化，而法国人也会更法国化。”在今天都在热议全球经济一体化和世界文化相互交融的语境中，互相学习和借鉴是必要的，但是我们发现，“中国形象”“中国气派”已经逐渐成为现今中国最为重要的词汇，鲜明的民族特色和坚定的文化自信显得更加宝贵。

自信是一个民族的宝贵财富。在人类的文化系统中有众多的分支系统，中国画作为其中极为特殊的体系，值得全世界的学习和尊重。好的艺术是没有国界的，齐白石绘画作品在国外多个博物馆的展出就是一个很好的证明，外国观众为他的艺术而感动，因为齐白石用简明的艺术语言表现了世界人民的所见所感，朴实而亲切地表现了中国画的独特魅力。把中国经典绘画自信自觉地推向世界是我们的重要任务，中国画有着更加广阔的未来。

（2017年5月9日）

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